NonSoloNoir saluta Rowland S. Howard

Il 2009 era già destinato a chiudersi "in nero", per la scomparsa del cantautore Vic Chesnutt, morto il 25 dicembre; poi, mercoledì 30, il mondo della musica è stato ulteriormente scosso dall'inattesa dipartita dell'appena cinquantenne Rowland S. Howard, ucciso da un tumore al fegato. "Non aveva voglia di morire", ha dichiarato Mick Harvey, storico collaboratore di Nick Cave, coinvolto nella registrazione dell'ultimo album di Howard, Pop Crimes, uscito a ottobre 2009, a dieci anni di distanza dal precedente Teenage Snuff Film. Lo stesso Howard aveva confessato, nel corso di un'intervista, di essere in attesa di un trapianto di fegato, e di aver voluto affrettare le registrazioni dell'album nel timore che le cose potessero "non andare così bene".
Personaggio forse poco noto, ma essenziale nella creazione delle sonorità new wave-punk australiane che, rese note da Nick Cave e i suoi Bad Seeds (per citare solo la band più nota), si sono rivelate molto influenti nella nascita degli innesti gothic-blues e gothic-country che hanno visto l'apice di popolarità negli anni '90, Howard aveva iniziato la sua carriera negli "Young Charlatans". Ma solo accanto a Nick Cave, nella storica formazione dei "Boys Next Door", il chitarrista, autore del brano Shivers (in seguito divenuto, grazie ad una coppia di importanti cover, quasi un inno dell'alternative australiano), aveva ricevuto i primi riconoscimenti.
Membro essenziale dei "Birthday Party" (basta ascoltare brani come Jennifer's Veil per rendersi conto dell'importanza del lavoro di Howad nella costruzione del suono), il chitarrista si era trasferito in Europa negli anni '80.
Lasciati i "Birthday Party" in seguito alla rottura con il cantante Nick Cave, Howard era entrato nei mitici "Crime and the City Solution" (1985-1986), partecipando, tra l'altro alla registrazione dello storico EP The Dangling Man, per poi formare, nel 1987, la band "These Immortal Souls".
Negli ultimi anni, nonostante l'assenza dalle scene (se non per una serie di prestigiose collaborazioni, e per il riuscito ma poco noto Teenage Snuff Film) la sua popolarità era in netta ripresa.
Howard ci lascia con una manciata di album da riscoprire, un ultimo lavoro ancora da digerire (nel già mitico Pop Crimes, il chitarrista, in vena di bilanci o cinicamente autoironico ha anche inserito una cover del classico Life's What you make It dei Talk Talk), e un'importante eredità sonora che ha ormai superato i limiti del gothic per invadere generi musicali di più ampia diffusione.

NonSoloNoir saluta Vic Chesnutt

Si è spento venerdì 25 dicembre in una camera d'ospedale di Athens, Georgia, il quarantacinquenne cantautore americano Vic Chesnutt. Il decesso, avvenuto alle 14:59, è stato confermato dagli addetti stampa dell'etichetta discografica "Constellation Records" attraverso il sito ufficiale(1). I fan erano già col fiato sospeso dalle ultime ore di giovedì 24: la notizia del ricovero d'emergenza di Chesuntt, in coma in seguito a un tentativo di suicidio, era infatti stata diffusa su twitter da una delle più strette collaboratrici del cantautore. Ridotto su una sedia a rotelle da un incidente automobilistico all'età di 18 anni, nel 1983, Chesnutt non aveva mai fatto mistero di essere "maturato" attraverso il dolore ed il trauma; il suo tormentato rapporto con la morte, poi, era già noto: in Flirted with you all my life, brano dalle atmosfere stranamente "leggere", sopratutto se inserito nella fosca cornice dell'album "At The Cut" (Constellation Records, settembre 2009), il cantautore aveva confessato al pubblico di aver sfiorato il suicidio.

Poco noto in Italia, ma giustamente apprezzato, a livello internazionale, da una nutrita schiera di intenditori, Chesnutt era una delle voci più sensibili, oneste e personali nel vasto panorama dell'indie-folk e del nuovo cantautorato americano.

Qui su NonSoloNoir vogliamo salutarlo così, con le note intime di Flirted with you all my life, e con le dichiarazioni del leader dei R.E.M. Michael Stipe: «Abbiamo perso uno dei nostri grandi uomini. Ma le sue canzoni e la sua storia rimangono»(2).

(1) Il comunicato è leggibile qui.
(2) Cfr. http://cstrecords.com/.

Guano Padano: Guano Padano

Il nord est come il far west, con il Po per Mississippi, i veneti per rednecks, i secessionisti della lega come confederati rincoglioniti? Pare proprio di sì, e, andando avanti di questo passo, anche i più scettici dovranno deporre le armi (della dialettica, s’intende), e arrendersi all'evidenza. Lo avevano già gridato a gran voce Matteo Righetto e Matteo Strukul, ideatori del movimento Sugar Pulp (http//www.sugarpulp.it), nato un anno fa intorno a un manifesto sottoscrivibile su facebook ed effettivamente sottoscritto, in tempi brevissimi, da diverse centinaia di fan; ora, a ribadire il concetto sono i Guano Padano (http://www.myspace.com/guanopadano), trio composto da Alessandro "Asso" Stefana (chitarra), Danilo Gallo (contrabbasso, vibrafono, piano, organo) e Zeno De Rossi (Batteria e percussioni). Sì, perché i tre sembrano avere in mente lo stesso tipo di sintesi o sovrapposizione: gli ampi spazi del nord est Italiano e quelli indimenticabili del grande western cinematografico; l'anima selvaggia, violenta, istintiva degli "uomini della pianura", al centro della composizione e dell'improvvisazione musicale, come in un romanzo d'erranza, pieno di variazioni, giri, "colpi di testa", impulsi randagi. E ad accompagnare Stefana, Gallo e De Rossi -recentemente sbarcati in tutti i negozi di dischi con il self-titled Guano Padano (album di produzione americana, targato "Important Records" e già osannato da Joey Burns dei Calexico)-, nelle loro scorribande, sono intervenuti numerosi musicisti di meritata fama, da Chris Speed, già clarinettista per Zorn, a Alessandro Alessandroni, “fischiatore” per quel Morricone la cui influenza si fa sentire in ogni singola traccia, determinando il gusto “cinematografico” dell’album, passando per il chitarrista Gary Lucas, ormai quasi un'icona dell'avanguardia newyorchese. Il tutto per tacere di Bobby Solo, che dà il meglio di se’ nella cover (in salsa latinoamericana) del classico di Hank Williams Ramblin’ Man. Il risultato? Un evocativo, riverberante, country-surf-jazz mutante (1) con contaminazioni latin e elettroniche, twangy, positivamente confuso; un riuscito pastiche che si tinge qua e là di free-jazz punk di zorniana memoria (à la Naked City, per capirci), mantenendo, per il resto, arrangiamenti magistrali a dispetto dell’ampiezza dei riferimenti intertestuali.
Da segnalare, oltre alla splendida Ramblin' Man, l'incredibile Danny Boy, quasi irriconoscibile in virtù di un mostruoso processo di decostruzione e ricostruzione, e le seducenti A country Concept e Bull Buster.



(1) "Programmaticamente mutante", si direbbe a giudicare dall'immagine di copertina che sembra raffigurare la poetica della band, evocando, nella sovrapposizione avvoltoio-scheletro la cannibalizzazione artistica (tendenza alla citazione), e l'ibridazione di generi apparentemente incompatibili (sembra di trovarsi di fronte a un inedito incrocio tra condor e bipede non meglio identificato).

Soulsavers: Broken

Il portale CdBaby, utilissimo per chi cerchi delucidazioni sulle ultime (e penultime) tendenze del continente musicale “indie”, raccoglie un tipo particolare di sound sotto la dicitura “Mood: brooding”; insistendo nella ricerca di un'etichetta per il genere in questione, ci si imbatte, su internet, in un proliferare di definizioni vuote, approssimative e, generalmente, poco diffuse (verrebbe da dire convenzionali, se non fosse che le convenzioni sono generalmente condivise da più soggetti…): Gothic-country, southern gothic, dark-blues, gothic blues, noir-blues, folk-noir, ecc. ecc.. In realtà, forse non si tratta neppure di un genere, ma di una serie di somiglianze, che fanno si che tra gli artisti coinvolti si crei -per dirla con Wittgestein- “un’aria di famiglia”; così si finisce per associare Nick Cave ai londinesi Tindersticks, gli americani Willard Grant Conspiracy ai National, l’australiano Mick Harvey all’inglese Scott Walker e a Lee Hazelwood, Bonnie Prince Billy e l’ultimo Johnny Cash a Jay Munly, i Wowen Hand, Rowland S. Howard, la Handsome family ecc. ecc.. A questo clima musicale appartiene a pieno titolo Broken, ultimo lavoro dei “Soulsavers”, duo di Manchester che aveva già conquistato un pubblico di appassionati di tutto il mondo con il riuscitissimo album d’esordio It’s Not How Far You Fall, It’s How You Land (2007).
Affiancati dall’immancabile Mark Lanegan (e da ospiti eminenti quali Bonnie ‘Prince’ Billy, Jason Pierce della band “Spiritualized”, Mike Patton e Richard Hawley) i Soulsavers -Rich Machin e Ian Glover-, programmaticamente trasversali e sperimentatori per fondazione, confezionano un album dai toni scuri e dalle tinte forti, che alterna ampie ballate pianistiche (You will miss me when I Burn, Can’t catch the train) a pezzi rock dal sapore psichedelico più o meno marcato (Unbalanced Pieces, Death Bells), momenti neo-folk (Pharaos Chariot) e twanganti quasi-gospel (Praying Ground), perle noise (Rolling Sky) e brani strumentali dal gusto neo-classico (The seventh proof, Wise blood); e il lavoro -date le premesse è quasi superfluo dirlo- funziona egregiamente, risultando, fin dal primo ascolto, liricamente e musicalmente interessante(1).
Da segnalare, oltre alla "single track" You Will miss me when I burn (cover degli oldhamiani "Palace Brothers"), la splendida Shadows Fall e l'intrigante Rolling Sky.

In uscita in questi giorni per Columbia Records, Broken sarà presentato al pubblico italiano nei due concerti dell'1 e 2 settembre(2).



(1)D’altronde, per farsene un’idea basta dare un’occhiata alle influenze riportate sulla pagina myspace della band (http://www.myspace.com/soulsavers): qui, tra riferimenti musicali e letterari più o meno prevedibili (dall’immancabile Johnny Cash all’ormai onnipresente Charles Bukowski, vero e proprio “must” di un certo neodecadentismo facilmente “maledetto”), compaiono anche un nobilitante “William Faulkner” e un insospettato “Harry Crews”…
(2) Rispettivamente all' Estragon Festival di Bologna e al Magnolia Parade di Milano.

M- Marianne Dissard: L’entredeux

"On s'aime Bien, ça ne se dit pas / On est en guerre, ça ne se voit pas."
(Ci amiamo, non si direbbe / siamo in guerra, non lo si vede.)

Marianne Dissard, Indiana Song

Carla Bruni, attuale first lady francese, si è conquistata, a partire dal 2003 (anno d’uscita del suo primo album Quelqu’un m’a dit), l’attenzione del pubblico internazionale, con la riproposizione di una formula musicale tipicamente francese, quella della canzone d’amore sussurrata, da ascoltare a basso volume.

Il recente crollo di immagine(1) della Bruni, che ha portato il pubblico a snobbare l’album Comme si de rien n’était (uscito lo scorso 21 luglio), ha ovviamente lasciato un buco nel panorama musicale: qui entra in gioco L’entredeux, disco d’esordio di Marianne Dissard.

Nell’album, arrangiato, prodotto e registrato con la collaborazione di Joey Burns dei Calexico, strumentazione e modi tipici del moderno “alt. country” (o dell’ “americana”) incontrano la chanson di tradizione francese.

Brani come Le lendemain(2) e Indiana song sembrano la rivisitazione francofona del cantautorato orchestrale di Nick Drake o di Tim Buckley; l’embelie sembra luogo di un improbabile (ma piacevole) incontro tra Françoise Hardy e le atmosfere dilatate e scarne dei Willard Grant Conspiracy; Sans-Façon cuce, su un arpeggio alla Leonard Cohen prima maniera, un’armonica alla Nick Cave(3) e piacevoli inserti di violino pizzicato e archi.

Belle le francessissime Les Draps Sourds (ballata tinta di sonorità “manouche” contenuta nell’album in una versione 4/4 e una 3/4 decorata da percussioni metalliche che evocano atmosfere est-europee, quasi da esuli russi a Parigi) e Trop exprès, duetto beat che strizza l’occhio alle performance di Serge Gainsbourg e Brigitte Bardot/Jane Birkin, nella scelta dell’organo lounge, e nel testo costruito su un doppio senso a sfondo sessuale.

Poetessa, visual artist, regista di documentari, attrice di teatro, autrice di testi ecc., nata nel sud della Francia ma residente a Tucson, Arizona, dall’età di 16 anni, Marianne Dissard, è giustamente considerata una delle rivelazioni dell’indie-pop in lingua francese.

Nel suo primo lavoro, fonte di una sintesi(4) tra la sua anima americana e la francese, non originale ma curato, ben costruito, piacevole, Mariane Dissard dimostra grande maturità musicale e lirica (nonostante la voluta pochezza dei testi…) .

Agli ascoltatori non resta che sperare che l’artista, recentemente separatasi dal marito(5), non si renda antipatica conquistando qualche capo di stato…

(1) Il passaggio da attrice/modella/cantante ecc. a “premierè dame” insopportabilmente abbigliata alla Jaqueline Kennedy non ha giovato all’immagine di donna libera, sinistrorsa, talentuosa, alternativa e intelligente che la Bruni si era tanto faticosamente costruita…

(2) Uscito dritto dritto, almeno per quanto riguarda la parte strumentale, dall’album Five leaves left di Nick Drake.

(3) L’introduzione ricorda da vicino, nelle sonorità e nella melodia, il brano Watching Alice di Nick Cave & The Bad Seeds (dall’album Tender Prey, del 1988) .

(4) Questa sintesi tra chansonnierismo alla francese e cantautorato post-folk all'americana era già stata tentata, con risultati molto meno interessanti, da Carla Bruni.

(5) Alla recente separazione fanno riferimento i testi dell’album, e in particolare Indiana Song.

M- Holly Golighly & the Brokeoffs: Dirt Don’t Hurt

In uscita in questi giorni per “Damaged Goods” il nuovo album di Holly Golightly & the Brokeoffs.

Holly Golightly (1), quarantaduenne con poco meno di una ventina di album alle spalle, ex cantante del gruppo garage The Headcotees, ormai solista affermata, abbandona momentaneamente il consueto sound anni ’60, e produce una serie di brani artigianali e decadenti, autunnali(2), polverosi, rurali, scricchiolanti come foglie.

Nell’album, quattordici pezzi per poco più di 42 minuti, sonorità alla Tom Waits (Slow Road, Three times under(3), Indeed you do) incontrano brani, folk, gospel/blues corali (la bella Getting High for Jesus, degna, almeno per le scelte percussive - cucchiai? pentole? paioli di bronzo? - di un’improvvisata parata per il Mardi Gras ), le chitarre riverberate e twangy dei lavori precedenti, cedono il passo a strumentazione acustica, chitarra slide e banjo (Accuse Me, Indeed you do ecc.) e suoni invecchiati con mezzi e tecniche di registrazione compiaciutamene lo-fi.

La scrittura è piuttosto convenzionale e si appoggia senza riserve ai vari clichés relativi alla musica tradizionale americana(4), ma resta accurata e tutt’altro che spiacevole.

Belle Burn Your Fun, Bottow Below e My 45, meravigliose le due ballate Up on the floor e For all this (probabilmente vera e propria perla dell’album).

Un piccolo, riuscitissimo omaggio o monumento dal gusto post-moderno alla musica roots americana, che piacerà a tutti gli amanti del genere…

 

 

 (1) Non si tratta di un nome d’arte: due genitori un po’ folli l'hanno davvero registrata all'anagrafe con il nome della famosa protagonista del romanzo Colazione da Tiffany di Truman Capote, interpretata al cinema da Audrey Hepburn…

(2) L’album, che allude, fin dalla copertina, ad Halloween, sarà probabilmente reperibile, in Italia, proprio per la fine di ottobre.

 (3) Il brano richiama, almeno dal punto di vista melodico, la ballata tradizionale appalaca In the pines (generalmente attribuita a Leadbelly), già ripresa dai Nirvana e riproposta, con il titolo di Where did you sleep last night, in diversi live shows.

(4)Ma d’altra parte si tratta di brani “folk” scritti al di fuori della loro terra d’origine, e  poi, per la produzione della musica folk non esistono più le condizioni politiche, economiche, sociali, culturali…

M- Willard Grant Conspiracy: Pilgrim Road

Questo 2008 si sta rivelando un anno memorabile per gli amanti di un certo genere di country/folk dalle tinte fosche e malinconiche: dal mese di gennaio sono usciti, in ordine sparso, il disco The Hungry Saw degli inglesi Tindersticks, il self titled dei norvegesi Madrugada (che, pure sposando suoni spesso più duri ed elettrici, richiamano l’attenzione di tutti gli appassionati del genere con brani come Valley of deception, Our Time Won’t Live That Long, e soprattutto Look Away Lucifer), The Virginia EP dei National, Sunday at Devil Dirt che rinnova la collaborazione tra l’ex Screaming trees Mark Lanegan e la ex Belle et Sebastien Isobel Campbell, il mediocre Home Before Dark di Neil Diamond(1) per citare solo gli esempi più lampanti, ed ora è la volta di questo Pilgrim Road dei Willard Grant Conspiracy.
A due anni dal rumoroso e, ci pare, poco ispirato Let It Roll, uscito nel 2006 a segnare i dieci anni di attività del gruppo, i Willard Grant Conspiracy tornano alle sonorità acustiche con Pilgrim Road.
Gli undici pezzi del nuovo album (dieci più una traccia nascosta) composti da Robert Fisher(2) con la consueta maestria, cantati con la solita voce calda e profonda, arrangiati cedendo qua e là alle tentazioni orchestrali (si pensi, per esempio alla meravigliosa Painter Blue), ma con moderazione, con cura e controllo spesso introvabili anche nei lavori di professionisti ben più blasonati; l’insieme dimostra, per la gioia dei fan, che Robert Fisher e i suoi non sono ancora pronti a fermarsi.
I brani, in equilibrio tra ricerca religiosa/spirituale (es. The Great Deceiver) e rifugio nel mondano (es. The Pugilist) rinnovano e rifondano il legame tra questo particolare sottogenere dell’alternative country o del indie-folk, nato sul finire degli anni ‘90 dall’incrocio della musica di Nick Cave con le ballate orchestrali alla Scott Walker (quello dei tempi d’oro di Scott 2 e Scott Walker sings Jacques Brel), ed un esistenzialismo esteriorizzato, da romanzo (primi tra tutti i Tindersticks, che in un certo senso sono stati i fondatori di questo tipo di sound, nel loro brano Seeweed sembravano ammiccare alla narrativa di Sartre limata nei suoi angoli più spigolosi e dolenti), che, se non garantisce la qualità della scrittura, di certo impedisce di ricadere (o rifugiarsi) nel puro canzonettismo.
Un buon disco firmato da una band ingiustamente ignorata in Italia.

(1)La seconda collaborazione tra Neil Diamond e il produttore Rick Rubin delude un po’ gli amanti di 12 Songs per via del suono preciso ed organizzato: quello che colpiva nell’album precedente, le sonorità grezze, le ballate scarne e rarefatte, piene di tempi morti spezzati all’improvviso da tre note di tromba o di pianoforte, è andato perso in Home Before Dark; le atmosfere malinconiche sono state limate, le canzoni risultano più godibili (e quindi, viene da dire, meno oneste) e fin troppo raffinate.
(2)Tutti tranne la cover del brano Miracle on 8th Street degli American Music Club.

M- Willy Deville: Pistola

Il brano "So So Real" dall'album "Pistola" di Willy Deville, nei negozi da metà febbraio.

Il nome di Willy Deville non dice nulla alla gran parte degli ascoltatori medi italiani; fortunatamente non è così all’estero.
Willy Deville, portoricano, ignoto autore del brano salsa “Demasiado corazon” (fischiettato, inquanto sigla dello show televisivo “Zelig”, da migliaia di ignari telespettatori), in circolazione dalla fine degli anni ’70 con la band “Mink deville” (in equilibrio tra punk e rockabilly, ma anche chiaramente influenzata dal sound blues urbano e rhythm'n'blues dei tardi anni ‘50), scioltasi a metà degli anni ’80, rientrato in sala di registrazione come solista nell’ 1987 (con l’album “Miracle”, prodotto da Mark Knopfler), passato attraverso la diffusione dell’elettronica (ma poi tornato ad arrangiamenti semplicemente elettrici con strumenti saturi e spesso poco effettati), premiato con il prestigioso “Premio Tenco” nel 2006, è un artista capace di re-inventare (con la complicità di Dr. John, Allen Toussaint ecc.) la musica di New Orleans o di lanciarsi in strane ibridazioni tra generi diversi…
A trent’anni dal debutto il cantante ha mantenuto stile e look, allure da motociclista ribelle e temperamento da nuovo romantico, abbigliamento da pirata spagnolo o da nativo americano (come per il meraviglioso album “Crow Jane Alley” del 2004 …).
A trent’anni dal debutto, Deville, rimasto spesso ai margini del mercato discografico, non ha perso la voce rauca alla quale siamo affezionati, ed è ancora in grado di miscelare a piacere influenze funky, roots, blues, R&B, southern rock, atmosfere tex-mex o western ed il sound tipico del cajun per creare canzoni e ballate artigianali, scritte e suonate con cura, degne di attenzione in un epoca dominata dalla musica fatta a macchina.

Da segnalare, in un disco di qualità mediamente molto alta, almeno la splendida “I remember the first time” e la nostalgica “The band played on”, dedicata alla scomparsa New Orleans.

M- Mark Knopfler: Kill to get crimson

In uscita il 17 settembre “Kill to get Crimson” di Mark Knopfler; occupato in una intensa carriera da solista fin dallo scioglimento degli acclamatissimi “Dire Straits”, Knopfler ha saputo svestire senza esitazione i panni (in verità scomodi fin dall’inizio, se si pensa ai toni sarcastici coni quali ci si riferiva alla musica commerciale in brani quali “money for nothing”) dell’icona del pop/rock disimpegnato, per re-inventarsi cantautore in album sempre vagamente confidenziali, ricchi di atmosfere blues, country, folk (irlandese come in “Golden Heart”, ma anche sud-americano come nella splendida “letters from Paraguay” dall’ottimo “Shangri-la”), e marcati accenti americani.

Aperto a varie suggestioni, ma sempre attento alla ricercatissima dimensione strumentale, Knopfler ha confezionato quasi una dozzina di album (tra colonne sonore, lavori da solista, ed una prestigiosissima collaborazione con “Chet Atkins”, generalmente considerato il padre della chitarra country moderna), tentando arrangiamenti e strumentazioni diverse, dagli anni ottanta ad oggi.
Reduce da una collaborazione con la cantante Emmylou Harris (il risultato della quale, contenuto nell’album “All the roadrunning” è uscito nel 2006, subito seguito da un DVD di registrazioni dal vivo), segnata da un uso forse eccessivo delle basi elettroniche, l’inglese torna alle sonorità analogiche (anzi, spesso molto “artigianali”) alle quali ci ha abituati nell’attesissimo nuovo album “Kill to get crimson”.
Vario ed imprevedibile, “Kill to get crimson”, rifiuta ogni tinta unitaria, permettendosi di spaziare tra brani acustici che ammiccano qua e là al Dylan meravigliosamente arrangiato di Desire (si pensi per esempio a “Let it all go”, melodicamente vicina ad “Isis” ), lenti come la splendida title track, brani riconducibili alla tradizione folk europea quali “Madame Geneva” ed il bel tre quarti "Secondary Waltz", tracce dal suono twangy come "We can get wild", pezzi springsteeniani come “True love will never fade”, ballate jazzate come “The scaffolders wife”, chiaramente debitrici di certo pop inglese degli anni ’60, largamente orchestrato e con velleità quasi sinfoniche.
Calda, confidenziale, volutamente meno roca del solito la bella voce di Knopfler.

Un meraviglioso album, che stupisce per la varietà dei timbri e delle coloriture.

M- Richard Galliano: Luz Negra

A sei anni di distanza da “Face to Face” (uscito nel 2001 per Dreyfus Jazz), Richard Galliano torna a far parlare di se con il nuovo album “Luz Negra”.
Registrato in brasile a dicembre 2006 (secondo le dichiarazioni dell’artista, la rottura con la Dreyfus è dovuta al bisogno di sottrarsi ai ritmi pressanti, rompendo inoltre la routine delle registrazioni a Parigi, ormai divenute come un impiego in fabbrica) con la collaborazione dell’ottimo Tangaria quartet (Alexis Cardenas al violino, Philippe Aerts al basso, Raphael Meijas e Amoy Ribas alle percussioni) e del mandolinista Hamilton De Holanda, Luz Negra è composto da 14 tracce, per una durata complessiva di 55 minuti circa.
Le tracce, tutte assolutamente ispirate, oltre che perfette dal punto di vista tecnico, si muovono tra sonorità tipiche del tango, ritmi sudamericani (es “sertao”), atmosfere francesi, sound medio-orientale (si pensi all’arabeggiante “gnossiene”, tutta costruita su scale minori armoniche), senza mai trascurare la tradizione musicale mediterranea.
La formula è quella collaudata (ma ancora efficace) degli album precedenti, pezzi ben scritti e ben arrangiati, in genere retti da contrabbasso/basso e dall’inimitabile suono della musette.
Richard Galliano, uno dei pochi fisarmonicisti jazz ad aver raggiunto fama mondiale, si riconferma un maestro nell’evocare atmosfere differenti, spesso allegre e solari, rasentando una dimensione onirica, o forse quella dei vaghi e felici ricordi infantili; la sua musette sembra in grado di esprimere la gamma completa dei sentimenti, parlando di perdita, di sconfitta, di passione, tradimento, ma anche di gioco, di allegria, di cortili assolati…
Da segnalare, in questo splendido album, la bella versione di “Escualo” di A. Piazzola, il nuovo arrangiamento di “Fou Rire” (pezzo già noto ai vecchi fan di Galliano), la romanticissima “Sanfona” e la splendida “Guarda che luna” (che, secondo chi scrive, meritava da tempo una rilettura in chiave jazz).
Disco immancabile nella collezione degli amanti di un certo genere di Jazz moderno, Luz negra (anche grazie alla brevità delle tracce e dunque degli assoli) non deluderà neppure i neofiti.

M- Grinderman: Grinderman

In uscita in questi giorni l’album d’esordio del nuovo progetto di Nick Cave, i Grinderman.

L’artista, dichiaratosi stanco del sistema produttivo vigente (“fai uscire dodici o tredici canzoni, fai un tour di un anno, aspetti che la gente si dimentichi di te e poi torni in sala di incisione”) e troppo prolifico per adattarvisi, affianca agli ormai collaudatissimi (come non dire esauriti?) Bad Seeds questo progetto parallelo.
Il nuovo album del cantautore australiano risulta ricco delle già note influenze blues, country, rockabilly, rilette in una chiave rumorosa e sgraziata, oscillante tra distorsione quasi heavy metal (o ancor peggio nu-metal) e atmosfere sperimentali ormai trite e ritrite (probabilmente recuperate da qualche B-side di John Spencer Blues Explosion o simili).
Tutto sembra voler contraddire le dichiarazioni di Cave, dalla brevità dell’album (appena 40 minuti), alla scarsa ispirazione dei testi (dall’orribile “no pussy blues”, manifesto in potenza di una giovane generazione preda di un facile, volgare maledettismo, all’ infelice ballata “Man in the moon” gradevole ma sciocca e tutt’altro che originale).
Unico nota positiva: Cave sembra non aver perso le sue capacità recitative, ma a cosa servono, applicate a testi sempre più insulsi e scadenti?
Quanto ancora dovremo attendere l’uscita di scena di un cantautore la cui poetica sembra essere ormai irrimediabilmente frusta e destinata ad una graduale involuzione (se si considera infatti la produzione di Nick Cave dopo “The boatman’s call”, sembra di trovarsi di fronte ad un lento, ma inesorabile regresso segnato dal recupero delle sonorità giovanili alla Birthday party svuotate da quella rabbia graffiante che ne era giustificazione estetica…)?

M- Tom Waits: Orphans (Brawlers, Bawlers, Bastards)

In uscita in questi giorni per conto della “Anti” il nuovo album di Tom Waits: “Orphans”.
Il nuovo lavoro è costituito da 56 pezzi (inediti, originali e qualche cover) suddivisi tematicamente nei tre dischi “Brawlers” (contenente alcuni brani blues elettrici e ruggenti) “Bawlers” (che raccoglie le ballate e i lenti) e “Bastards” (che si concentra invece sull’aspetto sperimentale e dissonante della produzione waitsiana) offrono una bella vista d’insieme sull’opera di Waits. Già noti ai fan più assidui i pezzi comparsi nei vari bootlegs (parliamo di brani quali “What keeps mankind alive”, “ The fall of troy”, “A little drop of poison” contenuti nei cinque volumi di “Tales From The Underground” ) che ricevono finalmente una veste ufficiale in grado di renderli disponibili ad un pubblico più vasto.

Protagonista assoluta di Orphans è, secondo le dichiarazioni di Waits, la sua voce; “con la mia voce posso suonare come una ragazza, come l’uomo nero, […]. Posso essere tribale. Ironico. Disturbato. La mia voce è davvero il mio strumento…”; Insistendo ancora sulla qualità di grande contenitore di “Orphans” Waits lo paragona alle tasche di un giocatore, svuotate su un tavolo a fine giornata, o a una borsetta da donna ben equipaggiata con coltello svizzero e antidoto per i morsi di serpente; in effetti è una definizione ampia e completa della musica di Waits, della sua preoccupazione per l’espressione accompagnata dalla ricerca linguistica-musicale, quella che risulta dall’ascolto di “Orphans”, e che lo rende adatto a fan di vecchia data, ma anche a chi si avvicini per la prima volta ad uno dei più importanti cantautori contemporanei.

Fedele all’assunto fondamentale della musica lo-fi, ovvero che se l’essenziale non è la tecnica esecutiva, ma l’anima della canzone, allora anche la qualità della registrazione diviene trascurabile e anzi contribuisce ad un necessario processo di selezione dell’ascoltatore (pretesa condivisibile perquanto infantile), Tom Waits non si preoccupa di rimasterizzare o “ripulire” i pezzi già registrati, anche perchè il fruscio di fondo e la scarsa qualità del suono rispondono spesso ad un preciso progetto di “de-storicizzazione” che riporta i brani (si pensi ad esempio ai blues rurali di “Mule Variations”) ad una dimensione antica e quasi mitica della musica (e dunque estranea alla modernità dei prodotti omologati e mediocri).
Apprezzabile il fatto che Waits, di solito poco propenso alla canzone politica (forse come unico antecedente si può indicare “the day after tomorrow” dall’album “Real Gone”) si schieri apertamente contro Bush con il bel blues “Road To Peace” che ripropone un impegno in senso pacifista contro tutte le mistificazioni e la pretesa di far passare le azioni di guerra (volte al perseguimento di interessi nazionali) per un’ opera di difesa della democrazia.

M- Bruce Springsteen: We Shall Overcome (The Seeger Sessions)

A un anno dall'usicta del discreto "Devils and Dust" Bruce Springsteen torna a sorprenderci con il bel "We Shall Overcome", un disco di "cover"(il termine si adatta male al "traditional" che è realmente parte di un patrimonio culturale collettivo, e suscettibile di modificazioni da parte di chiunque ed in qualunque momento) di pezzi tradizionali riproposti nel segno di Pete Seeger.
I pezzi,costruiti su un gran numero di strumenti acustici (contrabbasso, banjo, pianoforte, violino, trombone, tromba, basso tuba, chitarra, sassofono, fisarmonica, percussioni), mantengono l'impronta tipica dell'arrangiamento alla Springsteen, ma non disdegnano le scivolate nel bluegrass, le brevi incursioni nel jazz ecc....
Da segnalare, all'interno dell'album, la bella "Erie Canal" che indulge volentieri ad atmosfere in stile New Orleans, "Mary don't you weep" costruita come un punto d'incrocio tra la musica balcanica, il cajun, ed il gospel, e l'ottima versione di "Froggie went-a-courtin"(in grado di reggere il confronto con la versione rilasciata da Dylan nel suo "Good as i been to you"); il punto debole dell'album è forse proprio la "title track", quella "We Shall Overcome" che suonava bene cantata dal solo Pete Seeger, ma che ricostruita, riarrangiata (sembra riarrangiata con l'aiuto del peggior Cohen) e manipolata risulta falsa, lunga e noiosa.
I vecchi fan saranno comunque contenti di notare che Springsteen ha abbandonato la terribile voce in falsetto che aveva, in parte, rovinato l'album "Devils and Dust".

We Shall Overcome (The Seeger Sessions) è prodotto da Columbia records.

M- Neil Diamond: 12 Songs

Neil Diamond, la consueta voce calda resa profonda e leggermente incupita dal tempo, torna a stupire con il suo “12 Songs”; gli arrangiamenti, curati secondo la brevettata ricetta “Rick Rubin” (che ridiede lustro anche a Johnny Cash nelle sue “American Recordings”) si rivelano assolutamente eccezionali, costruiti come sono su uno svuotamento dell’accompagnamento (anche laddove intervengono molti strumenti) in favore di una voce che è protagonista assoluta, e sostiene l’intero album.
Dall’incontro Diamond-Rubin nasce un album di eleganti e raffinate torch-songs che, oltre a rappresentare il punto più alto della produzione diamondiana dagli anni 80 ad oggi, meritano di restare inscritte nella storia della musica d’autore.
Nell’insieme, risulta deludente solo “we”, pezzo ironico nel testo e nell’arrangiamento (quasi un brano da cabaret) che stona decisamente con le altre 11 ballate d’amore e d’abbandono.
Da segnalare le struggenti “What’s it gonna be” e “Im on to you” (forse il pezzo meglio arrangiato dell’intero disco).

M- Van Morrison: Pay The Devil

Van Morrison intraprende una collaborazione con la “Lost Higway” (si tratta della terza casa discografica in tre anni dopo “what’s wrong with this picture” uscito nel 2004 per la Blue note, e “magic time” del 2005, per la Geffen) per rilasciare il suo nuovo album “Pay the devil”, un’ottimo disco di country moderno che riesce a non cadere mai negli abusati (strano a dirsi che un prodotto recente possa risultare abusato rispetto ad uno classico ancora attuale e riproponibile) canoni del genere “americana” restando legato allo stile del country anni ’50 e ’60.
Nel disco, la cui uscita è prevista per marzo 2006, figureranno, oltrte agli inediti, una serie di cover tra le quali "There Stands The Glass” di Webb Pierce, “Your Cheatin' Heart” (in una versione che ricorda la cover fatta da Jerry Lee Lewis piuttosto che l’originale di Hank Williams), “What Am I Living For” di Conway Twitty e “Til I Gain Control Again” di Rodney Crowell (resa famosa da Emmylou Harris nel suo ottimo “Elite Hotel” del 1975).
Van Morrison, con la consueta voce piena e calda sembra essersi lasciato indietro le noiosissime e mal arrangiate ballate di “Magic Time” in un disco che, pur non rappresentando il suo aspetto più originale, resta un’ottimo esercizio di Country moderno attraversato da eccellenti linee di chitarra lap-steel e da un pianoforte sempre utilizzato nella maniera più appropriata.
Da segnalare la commovente cover di “What am i living for” di George Jones, e una “My bucket’s got a hole in it” decisamente più ruggente della pacata versione di Hank Williams Sr.

M- Mick Harvey: One man’s treasure

Mick Harvey, il lato “buono”, il lato armonico dei bad seeds (costantemente in lotta con la spinta noise rappresentata, almeno fino a “nocturama”, da Blixa Bargeld”), dopo un paio di colonne sonore, e due dischi di cover di Serge Gainsburg, meravigliosamente riarrangiate ed eseguite con la complicità di Anita Lane, torna nei negozi con “one man’s treasure”, primo disco realizzato in totale solitudine.

Se dal punto di vista della performance questo disco può essere realmente considerato come il tesoro di un solo uomo, ciò non vale dal punto di vista compositivo; infatti solo due dei dodici pezzi contenuti nell’album sono stati composti da Mick Harvey ("Man Without A Home" e “Will You Surrender?”).

Gli altri dieci pezzi (cover di Lee Hazelwood, JJ Walker, Tim Buckley, Nick Cave ) riconfermano appieno il ben noto talento di Harvey come arrangiatore, performer, e cantante.

Agli amanti dei “Bad Seeds” che non avessero apprezzato i primi due dischi di Harvey si consiglia di tornare ad ascoltare un Nick Cave sempre più urlante che con Abattoir Blues / Lyre of Orpheus ha dimostrato di essere molto abile a riproporre piatte forme già trite e ritrite, e, forse, di non aver più niente da dire.

M- Brian Setzer orchestra: Dig that crazy Christmas

Da un paio d’anni a questa parte sembra che I dischi di natale siano tornati di moda; Brian Setzer ce ne offre la sua reinterpretazione in un disco tutto di standards (fatta eccezione per le due inedite “Hey Santa" and "Santa Drives a Hot Rod" firmate dallo stesso B.S.) reinterepretati in chiave marcatamente rockabilly.

Gli arrangiamenti rendono questo disco assolutamente originale, ma anche discretamente noioso e troppo pieno di virtuosismi chitarristici per risultare credibile come disco di natale (d’altronde lo stesso commento era valido anche per “Boogie Woogie Christmas” uscito a natale 2004).

Da segnalare l’ottima “My Favorite Things” (anche l’ unico pezzo in cui Brian Setzer, limitando l’esibizione delle sue doti chitarristiche, riesce a non annoiare).

Se quello che state cercando è un disco natalizio realmente elegante e ben arrangiato rivolgetevi piuttosto all’ottimo “Chris Isaac Christmas”.